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本文發於香港電影公眾號作者 | 陳賢江轉自新音樂產業觀察原創內容關於黎明，有兩種極端的評價：不是最被高估的天王，就是最被低估的天王。持「高估論」者，最常見的理由是「唱功差，歌不紅」，而「低估論」者通常又會反駁稱「走音就那一次，歌不紅是因為寶麗金把國語市場的資源都給了張學友」。雙方都有道理。作為四大天王之一的黎明，從來沒有給人一種實力派的印象，他的聲線雖然有自己的特色，但相貌給人的印象更突出一點，最關鍵的是，相比其他三位天王，黎明的國語代表作少之又少，造成了「歌不紅」的局面——如果以《吻別》和《忘情水》為標準，黎明毫無疑問缺乏一首傳唱一時的「國民金曲」，郭富城不需要「國民金曲」，因為大家都知道他跳舞跳的好，黎明呢？歌不紅，舞不跳，就只剩一張臉了。但是，黎明的冬粉有足夠的理由給你懟回去：黎明的國語歌不紅是因為寶麗金偏袒張學友，黎明在寶麗金時期發行的國語專輯從製作到宣發都很敷衍，轉投索尼之後就很紅啊，比如《全日愛》；黎明的歌在香港很紅，「金曲金獎」（TVB頒發的「十大勁歌金曲」中的「金獎」，相當於「年度金曲」）是四大天王里唯一能跟張學友平起平坐的；說黎明沒實力，可是人家在紅館連開26場演唱會，全部真唱……「有心人」還可以找出更多的「理由」：黎明雖然不會跳舞，但他是名符其實的舞曲天王，他的《全日愛》曾經在21世紀前後「統治著」二三四線城市的髮廊、迪廳、2元店、溜冰場和「勁舞團」。他的舞曲影響了整整一代人，其中包括最酷說唱廠牌的老闆、「盯鞋至死」的上海獨立搖滾樂隊吉他手、熱愛遊走英倫的知名DJ和新音樂產業觀察的創始人。（也就是本文作者;P）實際上，觀察音樂平台下黎明作品的留言，你會發現，有一個趨勢是，大眾正在重新認識黎明：電音先驅、低調有才、相見恨晚……等等，類似「原來黎明有那麼多好歌」成為留言的「主旋律」，典型的一首歌是《情歸於盡》；「重新認識」也帶來了對傳統唱片業時代作品的「新看法」，「黎明20年前的舞曲比《小蘋果》強多了。」有唱片公司的朋友甚至直言，黎明當年的歌曲質量要高於現在的李宇春。（在此只是提供一種觀點，並不想引戰）作為「四大天王」之一，黎明再怎麼被低估，也是娛樂圈的既得利益者，沒有有什麼是需要被「證明」的。個人比較感興趣的是這麼三點：一，黎明身上，我們可以看到港樂從拼翻唱到拼原創的變化；二，藉由黎明的助力，雷頌德上位，成為90年代至今香港最成功的音樂製作人，多位歌手的命運由此改變，比如楊千嬅、陳慧琳和盧巧音；三，20世紀末，由雷頌德和黎明聯手開啟的「港樂電音舞曲時代」，用短短兩年時間，成就了香港流行文化最後的「癲狂」。翻唱出來的「天王」1992年，TVB十大勁歌金曲頒獎禮現場，「四大天王」的金匾下，張學友、黎明、劉德華、郭富城一字排開，由此拉開了一個「天王時代」。據黃霑回憶，1990年代初，隨著許冠傑、張國榮、梅艷芳等先後退隱，香港樂壇頹勢初現。為此，「『香港電台』把張學友、劉德華、黎明和郭富城拉在一起，封了他們做 『四大天王』救市。」（摘自黃霑的博士論文《粵語流行曲的發展與興衰: 香港流行音樂研究(1949 - 1997)》 ）1992年，TVB十大勁歌金曲頒獎禮現場，「四大天王」的金匾下，張學友、黎明、劉德華、郭富城一字排開，由此拉開了一個「天王時代」。（視頻截圖較模糊）儘管同為「天王」，但四個人情況又不盡相同。張學友和劉德華是老大哥，同為1985年發行首張專輯，但張學友在音樂上表現比較突出，1990年代前，《太陽星辰》、《夕陽醉了》和《只願一生愛一人》等已經在頒獎禮上嶄露頭角；劉德華憑藉影視劇的表現而東南亞一帶廣受歡迎，由此帶動唱片的熱銷，從1990年開始走上事業巔峰；黎明和郭富城都是小字輩，1990年才出道，郭富城主攻台灣市場，黎明則獲得TVB力捧。放眼1990年代初的大中華市場，1992年的「四大天王」里，真正具有影響力的是劉德華。依靠影視劇積累的人氣，劉德華在1990-1991年間發行的國粵語專輯都有不俗的銷量表現，其中《如果你是我的傳說》、《一起走過的日子》、《我和我追逐的夢》和《來生緣》全亞洲銷量破百萬；張學友雖然在香港市場表現突出，但在大中華市場，1993年才憑藉《吻別》紅遍兩岸三地，然後才成為「歌神」；主攻台灣市場的郭富城，獲得飛碟唱片的力捧，國語唱片銷量不俗，並成為最早露面春晚的「天王」，但在香港市場，郭富城1992年才算正式「入市」。數據詳情請上新官網站查閱www.re-chord.net1992年的黎明可能是市場基礎最弱的一位，卻也是香港本土市場上位最快的一個。憑藉《人在邊緣》（1990）和《今生無悔》（1990年）兩部大劇的「收視冠軍」，黎明在香港和周邊地區迅速打開市場，同期發行的歌曲也獲得了各大頒獎禮認可。1990年，黎明獲得」十大勁歌金曲「的最受歡迎新人獎金獎，隔年便有兩首歌同時入圍「十大」。1992年的十大勁歌金曲頒獎禮，黎明、張學友和劉德華各有兩首歌曲入選，三個人佔據了半壁江山，黎明由此與兩位前輩平起平坐。不過，黎明在1990年代初的金曲，翻唱的比例很高。1991-1992年，黎明四首入圍「十大勁歌金曲」的作品，幾乎全是翻唱。最誇張的是1993年的《夏日傾情》，這張專輯讓黎明第一次獲得「最受歡迎男歌星」，卻有六首歌來自日本人的創作，加上翻唱自國語和英文的作品，整張專輯沒有一首本土原創歌曲。（以作曲為標準）「翻唱」在八十年末和九十年代初的香港樂壇是一個普遍現象。張學友早年的獲獎歌曲《太陽星辰》和《只願一生愛一人》都是「翻唱」。（《夕陽醉了》也不是本土創作）1992年的「十大中文金曲獎」入圍歌曲，十首歌里有七首翻唱自日文歌。其中包括張學友的《暗戀你》和《還是覺得你最好》，劉德華的《長夜多浪漫》和黎明的《我的親愛》和《但願不只是朋友》。翻唱盛行的原因，主要是因為「成本低」。陳淑芬接受採訪時曾說，八十年代翻唱多的原因是，相對原創，翻唱的信價比要高很多，尤其對於一些新成立的資金有限的唱片公司來說，聽好了買過來翻唱，能省不少錢。這個情況一直持續到九十年代初。那會兒，當紅歌手一年發兩三張專輯很常見。1993年，黎明發行了《夏日傾情》、《我的另一半》（精選）、《深秋的黎明》（國語）、《夢幻古堡》四張唱片，如此密集的發片，只有靠各種翻唱來支撐。而像寶麗金這樣的國際級唱片公司，可以充分利用自己的全球曲庫資源，降低製作成本。我們可以把「翻唱」視為一種資本積累初期野蠻生長的方式，但這種野蠻生長的方式終於在1994年走到了頭。從拼翻唱到拼原創1994年是香港流行音樂的一個「分水嶺」。1994年之前，翻唱扮演著重要的角色，1994年開始，原創抬頭。至少從四大天王的唱片看是這樣：1993年，張學友的專輯《我與你》有一半是翻唱，包括主打歌《只想一生跟你走》。到1994年的《餓狼傳說》開始，原創作品挑起了大梁；1993年，郭富城的專輯《沒有你的愛》翻唱了四首日文歌，1994年初的專輯《狂野之城》也翻唱了三首日文歌，到1994年的《鐵幕誘惑》專輯開始，日文歌翻唱基本絕跡，國語歌翻唱零星出現，原創作品成為絕對主力。這個「變化」在黎明身上表現得尤其明顯。1993年的專輯《夏日傾情》達到「翻唱極致」之後，1994年的《天地情緣》，原創的《那有一天不想你》成為主打，日文歌翻唱減少到了一首，原創作品增加到三首，其中有一首還是黎明作曲。（《晨曦》）《天地情緣》無疑是黎明出道前五年質量最高的一張專輯。慢歌如《那有一天不想你》、《藍色街燈》，快歌如《不醉舞夜》，都讓歌迷如痴如醉。學院派出身的音樂人林慕德，編曲上很見功力，主打歌《那有一天不想你》器樂編排上豐富的層次感和縱深感，讓黎明徹底「脫胎換骨」。這首本土原創作品橫掃當年的各大頒獎禮，並獲得「金曲金獎」，可算是黎明第一次在作品端獲得肯定。唱片公司和林慕德想「複製」《天地情緣》的成功，在1995年推出了「續篇」《天地豪情》，銷量不如預期，卻是黎明的專輯全面走向本土原創的開始，林慕德和C.Y.Kong各自包攬三首創作，譚詠麟、唐奕聰亦有貢獻，翻唱作品減少到兩首。現在回過頭來重溫《天地豪情》，我們會發現，其實這張專輯創作和製作水平頗高，主要問題可能是，林慕德的製作雖然精良，但對於黎明來說有點「老派」和「沉重」，不太契合黎明的受眾群。黎明的冬粉大多是青少年，對於這樣的人群來說，可能需要更輕鬆、易接受和較時髦的作品，但這似乎又跟追求品質相悖。話說回來，在那個年代，創作者好像還沒有很好的辦法來平衡時尚和品質的關係。1990年代初的香港主流音樂，創作套路相對單調，基本上可以分為情歌和勁歌，勁歌多以舞曲和輕搖滾為主，而且大多來自「翻唱」。黎明的專輯給人的就是這樣的「刻板印象」，主打歌一首慢歌，一首快歌，剩下的都是一些普通的流行歌曲，並沒有什麼特別之處。這讓黎明的作品在四大天王里顯得很不突出：張學友本來就唱的好，專輯從《餓狼傳說》開始又有了比較大的飛躍；劉德華一直表現親民，各種「國民金曲」不斷；郭富城跳舞好，轉投華納之後，專輯曲風也更多元化，給人的印象很酷炫。結果，對於黎明，大家的印象就只有「帥」了。成功轉型直到1996年的《Perhaps》之前，黎明給人的印象就是一個「墨守成規」的深情天王。從《DNA出錯》和《全日愛》這些作品可以聽出，黎明骨子裡不是一個墨守成規的人，但是在出道之後相當長的一段時間裡，他並沒有找准自己的「定位」，或者說是沒有找到合適的「合作夥伴」。改變他的是雷頌德。當然，也因為黎明想改變，才會找到雷頌德。在《Perhaps》之前，雷頌德已經通過為郭富城製作的《純真傳說》證明過自己。這張1995年的「神作」中，雷頌德用電音、搖滾和說唱等把郭富城原來擅長的「港式舞曲」攪了個「天翻地覆」，卻收穫了TVB十大勁歌金曲最佳歌曲監製獎和叱咤樂壇作曲家CASH大獎等諸多獎項，《純真傳說》也獲得了「叱咤樂壇大碟IFPI大獎」等的「肯定」。《純真傳說》的成功甚至讓「郭式舞曲」後續竟然「無以為繼」，轉攻深情路線。（如《聽風的歌》、《愛的呼喚》和《風裡密碼》）。而且，與《純真傳說》一樣，雷頌德又是首次跟「天王」合作就「大刀闊斧」：在雷頌德的操刀下，黎明一口氣嘗試了多種不同的曲風，搖滾如《微風之前(離別之後)》、迷幻如《色情男女》、清新如《或許…未必…不過》，全都「顛覆」了黎明以往給人留下的刻板印象。哪怕深情如《情深說話未曾講》，也打破了傳統的情歌套路，讓當時市場為之一振。「跟黎明第一次合作的時候，當時大家的想法就是一定要改變黎明原先給人的印象，所以大家做得都很辛苦。我記得當時錄《情深說話未曾講》的時候，我們花了很長時間，最後出來的效果非常好，所有人都大吃一驚。」雷頌德接受本人採訪時曾這麼說。憑藉「驚艷」的表現，《Perhaps》橫掃當年的香港樂壇四大頒獎禮，成為1996年毋庸置疑的香港樂壇最佳專輯。《號外》雜誌後來做十年回顧的專題，也把《Perhaps》選為1996年的唱片代表。對於黎明來說，《Perhaps》最大的「價值」在於為黎明創造了多種新的可能性，讓他跳脫了自己傳統的「套路」，思路豁然開朗。1996年發行的國語專輯《DNA出錯》就是很好的例子。這張專輯除了曲風時尚多元（從舞曲到布魯斯），主打歌是同性戀題材，還是黎明首次以性感的造型出現。值得一提的是，這張專輯並不是雷頌德主刀，所以從某種程度上說，黎明團隊意識到了「轉型」的必要性：對於黎明來說，在「四大天王」競爭白惡化的當時，除了「帥」，還需要新的「賣點」來刺激唱片銷量。而從黎明的轉型選擇看，他和他的團隊似乎比較看好更國際化、更時髦、更前衛的路線。而這在當時的香港市場，也確實是一個「空白」。據說為《DNA出錯》填詞的周耀輝曾問黎明，你知道我寫的什麼嗎？黎明回復，知道。周耀輝又問，那你還唱？黎明又回，有什麼關係？張學友主打「唱功」，劉德華主打「親民」，郭富城主打「跳舞」，黎明選擇了「時尚」。1996年開始，「四大天王」的市場格局終於明確下來。（實際上，假如郭富城強化舞曲風格，原本有可能與黎明重合，但1996開始，郭富城在專輯上削弱了「舞曲」特色，追求做一個「實力派」，音樂上個性開始變得模糊，反而是黎明不斷強化舞曲特色，最終成為「電音先驅」）「怪才」雷頌德喜歡不按常理出牌的雷頌德有兩大「寶貝」，一是吉他，一是電音。香港樂壇的原創潮最早是從80年代末開始的，當時以達明一派、太極樂隊和Beyond為代表的本土樂隊興起，帶動了一批本地創作新銳冒尖。作曲的有劉諾生、林慕德、黃尚偉，作詞的有林夕、劉卓輝和陳少琪。這撥人，加上太極樂隊的鍵盤手唐奕聰、留學歸來的C.Y.Kong和黃霑力捧的得意門生雷頌德等，構成了1994年港樂「原創潮」的主力。而這批本土音樂人，也正好趕上了香港唱片業最好的時代，因為唱片銷量長紅，「錢」景一片光明，所以唱片公司也敢於放手啟用年輕創作人。多年前，我採訪陳少琪的時候曾經問過一個問題，「您覺得哪個時代的香港樂壇更好？」陳少琪的回答是，「如果從創作人的角度來說，我覺得九十年代比較好，因為那個時候銷售量和自由度呈正比。」此外，香港「商業二台」（叱咤903）在1995年推動所謂「原創歌運動」，完全不播放「翻唱歌曲」，也從一定程度上推動了本土原創音樂的發展。（不過黃霑對此持保留態度，認為這是揠苗助長，詳見黃霑的博士論文《粵語流行曲的發展與興衰: 香港流行音樂研究(1949 - 1997)》 ）1991年的林海峰和葛民輝，兩人1988年開始在「叱咤903」主持節目，以「軟硬天師」著稱，1990年代初，黃偉文加入「叱咤903」。三人都以自己的方式影響著香港樂壇（圖片來自音樂圖鑑，Music Bus出版）不管怎麼樣，從1994年-1995年起，雷頌德等年輕音樂人有了更多施展才華的機會。作為黃霑的得意門生，雷頌德藉由電影配樂入行，在《青蛇》、《六指琴魔》和《東成西就》等影片的配樂中嶄露頭角，後來經人引薦，認識了時任華納高層的黃柏高，開始做唱片。1990年代早期的雷頌德、林夕和黃霑《東成西就》里的插曲《哥仔靚》和《雙飛燕》都是雷頌德編曲喜歡不按常理出牌的雷頌德有兩大「寶貝」，一是吉他，一是電音。在還沒有迷上電音舞曲之前，雷頌德最擅長的套路是吉他搖滾，他和馮德倫組成的二人樂隊Dry把Oasis和Verve「抄」得惟妙惟肖的。1996-1998年期間，他給黎明、許志安和陳慧琳創作和製作了大量的「吉他流行曲」，吉他在編曲中扮演了非常重要的角色。比如「金曲金獎」作品《情深說話未曾講》和《只要為我愛一天》，拆解這兩首歌的編曲，你會發現雷頌德對於原聲吉他是多麼的「熱愛」。同期的作品，如許志安的《我的天我的歌》和陳慧琳的《誰願放手》，也有著很鮮明的吉他伴奏。而在陳慧琳早年的兩張專輯《醉迷情人》和《風花雪》中，吉他更是編曲里的絕對主角。雷頌德對於「吉他音樂」的熱愛還表現在把搖滾元素帶入到主流歌曲創作中來。陳慧琳的《Yeah Yeah Yeah》就是一首很典型的英倫搖滾作品，類似的作品還有郭富城的《強》和楊千嬅的《熱血青年》。甚至，你會覺得這些作品的編曲比一些香港所謂樂隊的作品更像「Band Sound」，而雷頌德對於吉他的使用確實有自己獨到之處。電音也是雷頌德的「摯愛」，據說他早年在英國曾跟C.Y.Kong和莫文蔚組建過一支樂隊，唱過傳奇電音樂隊Pet Shop Boys的歌。可能是因為在英國留學的關係，雷頌德早年作品在電音的使用上更偏向歐式，後來才逐漸轉向「美式」。不過，在黎明1997年的電音專輯《Leon Sound》之前，「電音」在雷頌德的作品里更多是「甜點」，吉他才是「主菜」。「電音天王」的誕生1998年，黎明轉投新力唱片，從形象到曲風，都有很大的變化。1997年，黎明與寶麗金（1998年，寶麗金與環球唱片合併，統一改稱「環球唱片」）約滿，跳槽到新力唱片香港分部。（「新力」為SONY的港台譯法）跳槽前，黎明發行了在寶麗金時代的最後一張粵語專輯《Leon Sound》。《Leon Sound》是一張「奇怪」的唱片。與《Perhaps》相比，僅有的兩首慢歌在《Leon Sound》已經完全變成了點綴，主角是各式各樣的電音節拍，Techno、Trance、Big Beat、Drum 』N』 Bass、Trip-Hop……但是，《Leon Sound》又不同於雷頌德後續的電音舞曲作品，不怎麼「流行」。所以這張專輯在歌迷中也是評價兩極化，喜歡的人認為這是黎明最好的專輯，不喜歡的人會直接告訴你「難聽」。可能是因為行將約滿的關係，《Leon Sound》並沒有太多宣傳，所以成為黎明銷量最慘淡的一張專輯，內地引進版甚至沒有CD。不過，這張專輯奠定了黎明轉投新力后的基本方向：電音舞曲。1998年，黎明發行了轉投新力唱片后的第一張唱片《我這樣愛你》（EP），從形象到曲風，都有很大的變化。形象上，黎明改走簡約和時尚的風格，曲風上，雷頌德開始嘗試美式的Urban舞曲和Hip-Hop，吉他音樂全部退隱。總之，在經過1996-1997年兩年的摸索之後，黎明團隊終於明確了「時尚天王」的方向，開始全力衝刺。同年年底，黎明發行了加盟新力之後的第一張錄音室大碟《如果可以再見你》，封面沿襲了上一張的簡約時尚風格，曲風則全面轉向「美式」——雷頌德曾說，自己喜歡英倫音樂的個性和美國音樂的節奏，如果說，《Leon Sound》是前者，索尼時代的黎明就是後者。《如果可以再見你》是雷頌德和黎明玩得最歡的一張專輯。除了情歌和舞曲，還以NON-STOP的方式穿插了阿卡貝拉（A Cappella，無伴奏人聲，也翻譯成「清唱」）、黑人說唱和敲木魚喃經等。而在舞曲上，既有美式Urban也有流行Techno。1999年是黎明的「事業巔峰」，憑藉同樣主賣電音舞曲的《Leon Now》和《眼睛想旅行》，加上從上一年年底「暢銷」到這一年年初的《如果可以再見你》，到1999年年底，黎明有三張專輯賣進了「年度十大」，並且包攬冠亞軍。（如下圖，媒體估算，僅供參考）1999年底，黎明宣布不再領獎，開始淡出香港樂壇。但是，在大中華市場，黎明「電音天王」地位卻是從2000年開始確立的，那一年，黎明發行了專輯《北京站》，主打歌《全日愛》攻陷各種「嗨場」，次年，黎明發行了新力時代的最後一張國語專輯《The Red Shoes》，不但留下了《看上她》等大嗨曲，還另外出了一張Remix版，黎明成為名符其實的「電音天王」。左邊是《The Red Shoes》專輯正式版，右邊是混音版，因為這兩個封面，黎明被網友戲稱為「腳踩索尼的男人」最後的「癲狂」1999年開始，雷頌德的舞曲創作開始偏向旋律性強、節奏簡單粗暴的「韓式Techno」。於是就有了《全日愛》和《花花宇宙》。「黎明的《全日愛》，鄭秀文的《眉飛色舞》，陳慧琳的《花花宇宙》……. 在這些許多酒吧必放的HIGH曲聲中，所有的人越來越瘋狂……」在2002年的一篇暗訪內地酒吧派對的文章中，我們看到這樣的文字。這三首歌和三位藝人，就是千禧年港樂舞曲風潮的代表。這裡面有個時代背景是，1996年前後，韓流全面來襲。H.O.T、J.T.L、酷龍、李貞賢等歌先後被華語歌手翻唱，也帶熱了大中華的舞曲市場。其中，又以翻唱酷龍等的韓國舞曲發家的徐懷鈺（《飛起來》、《妙妙妙》、《怪獸》、《向前沖》）和翻唱李貞賢的鄭秀文（《眉飛色舞》、《獨家試唱》）最為突出。受此影響，1999年開始，雷頌德的舞曲創作開始偏向旋律性強、節奏簡單粗暴的「韓式Techno」。於是就有了《全日愛》和《花花宇宙》。對比一下雷頌德1997年-2000年的舞曲創作，可以感受到一些比較明顯的變化：1997年的《舊約》（收錄在專輯《Leon Sound》）舊約來自新音樂產業觀察00:0002:501998年的《會客室》（收錄在專輯《如果可以再見你》）1999年的《眼睛想旅行）（收錄在專輯《眼睛想旅行》）2000年的《全日愛》（收錄在專輯《北京站》）千禧年前後，「港樂」更新換代。「四大天王」和王菲等逐漸淡出，陳奕迅、謝霆鋒、陳慧琳、容祖兒、楊千嬅、梁詠琪和Twins等新生代先後上位。尤其是陳奕迅、謝霆鋒、陳慧琳和容祖兒的亮眼表現，讓人對港樂新一代充滿期待。與此同時，譚詠麟和張國榮再戰江湖，「四大天王」和鄭秀文等「老前輩」繼續發揮「餘熱」，許志安和梁漢文等厚積薄發，黃耀明、盧巧音和LMF等妙筆生花，於是，千禧年的港樂市場熱鬧非凡：黎明和陳慧琳的「電音」、陳奕迅的「K歌」、謝霆鋒的「搖滾」、LMF的「說唱」、黃耀明的「另類」，構成了港樂最後的「癲狂」。這真的是最後的「癲狂」。如黃霑的博士論文所說，1997年開始，港樂市場已經呈現衰敗之勢。「1997年本是唱片業二十年來市道最差的一年。但隨著1998年亞洲金融風暴的影響，市道更進一步收縮至全年銷售額只有6億港元左右。和1995年的18億比，只剩回三份之一。 」（摘自黃霑的博士論文《粵語流行曲的發展與興衰: 香港流行音樂研究(1949 - 1997)》 ）左起：謝霆鋒、陳冠希、陳奕迅，那一年，這三位是公認的天王接班人千禧年前後的港樂市場，表面上看起來熱鬧，但內里危機四伏。究其原因，黃霑總結為「行業短視，翻版猖狂；科技發達，水平低降；社會老化，歌迷年輕；別人文化，港曲無光；注重包裝，不務正業；產品單一，乏善足陳。」而2002年開始發生的一系列「意外事件」也可以說是港樂意想不到的「沉重打擊」：2002年，當時的「天王接班人」謝霆鋒陷入頂包門，一度暫別樂壇，回歸后勢頭大減；2003年，再戰江湖表現不俗的張國榮跳樓自殺，為香港娛樂圈蒙上了一層陰影；2004年，「張學友接班人」陳奕迅因為跟唱片公司翻臉，沉寂了一年半載；2008年，陳冠希和當時如日中天的Twins成員鍾欣桐陷入「艷照門」，陳冠希和Twins音樂事業均陷入停滯；2010年，Twins成員蔡卓妍召開發布會承認「隱婚」並道歉……至此「千禧一代」只剩陳奕迅和容祖兒艱難支撐。「霆鋒在囚車內，脫下了領帶，被鎖上手鐐，但他卻蹺起二郎腿，一派大少爺神態，卻刻意用腳遮住手鐐，對窗外的傳媒冷笑。 《蘋果日報》圖片」（摘自《忽然一周》）2008年之後，真正打開大中華市場的港樂歌星，只有陳奕迅一人。莫文蔚雖然在國語市場表現突出，但早已放棄了粵語市場。（只是偶爾發行粵語唱片）黎明的貢獻從音樂行業發展的角度來說，黎明最大的貢獻在「創新意識」。2002年，黎明發行新力時代的最後一張粵語專輯《Homework》，之後就基本淡出樂壇。雖然後續仍然在繼續發行唱片，但更多是為了維持公司的運營——2004年，林建岳和黎明合資創辦東亞唱片製作有限公司（A MUSIC），作為老闆的黎明必然要身先士卒。需要注意的是，東亞唱片製作有限公司（A MUSIC）和東亞唱片（集團）有限公司（East Asia Music (Holdings) Ltd）是兩家獨立運營的公司。前者是林建岳和黎明合夥，由黎明親自經營，後者是林建岳與劉德華合夥。早年曾傳過劉德華和黎明爭「東亞一哥」，其實是不了解兩家公司的架構。2008年，東亞唱片（製作）兩位老闆林建岳和黎明為旗下歌手楊千嬅慶功，楊千嬅也是當時東亞唱片（製作）旗下除老闆黎明之外的最大牌歌手從音樂行業發展的角度來說，黎明最大的貢獻在「創新意識」。黃霑在論文里曾批評港樂創作單一。應該說，雷頌德和黎明從專輯《Perhaps》（1996）開始的一系列嘗試，對於豐富港樂曲風是非常有價值的。尤其是專輯《如果可以再見你》（1998），可謂香港樂壇歷史上最時尚、最多元化、最具想象力的一次「流行音樂實驗」。（個人認為這張專輯是雷頌德的巔峰之作）作為藝人，黎明在1990年代末除了嘗試各種新的音樂風格，還同時嘗試各種新形式的MV，大量使用當時華語市場比較少有的CG動畫和3D動畫。《眼睛想旅行》和《看上她》等全動畫MV，至今仍很少見。CG動畫和真人結合的MV《全日愛》更是由黎明親自指導。從這個角度說，黎明的想法確實比較超前。放在現在，正好能滿足當前電音和Animation（動畫）、Comic（漫畫）、Game（遊戲）、Novel（小說）大行其道的市場。《進化Evolution (Non-Stop Remix)》MV作為老闆，黎明的東亞唱片（製作）主要致力於捧新人，先後捧出了衛蘭、衛詩、JW（王灝兒）和李治廷。也曾經簽過陳小春和楊千嬅等知名歌手，另外，2010年，東亞唱片（製作）推出了一個叫「樂LOOP」的APP，黎明把旗下藝人的最新內容和作品都放到這個「全港首個無間息音樂娛樂共享FREE APP」。（如下圖）儘管公司經營不算成功，藝人們悉數離開了黎明，不過，黎明能在唱片業最壞的時代堅持推新，努力值得讚賞。 有 一 種 電 影 叫 香 港